El docente UC, José Manuel Vélez participó de II Congreso de Educación en Diseño Audiovisual (MODE Motion Design Education Summit) que se llevó a cabo el mes de mayo en Dublín, Irlanda. De esta ponencia, José Manuel Vélez contó:

Porqué te llamó la atención este evento particular en Irlanda?

Hoy existen muchas instancias y vitrinas de trabajos de diseño, ya sean presenciales o digitales. Conferencias sobre diseño existen muchas, pero sobre diseño audiovisual, son muchas menos. Lo más rescatable de MODE era que no solo ponía el foco en el diseño audiovisual, sino de manera más específica en la educación de esta disciplina. La participación de exponentes de distintas universidades norteamericanas, inglesas, irlandesas, e incluso iraníes y turcas, permitía adquirir una visión muy rica en perspectivas y experiencias particulares en la enseñanza audiovisual. Y por otro lado representaba una oportunidad única para dar a conocer el trabajo en diseño audiovisual desarrollado en la Escuela de Diseño UC, lo que no solo se logró mediante la presentación de la ponencia, y próxima publicación de un paper, sino que también a través de la exposición de trabajos académicos de nuestros alumnos.

En qué se basa tu ponencia?

La ponencia, y el paper en el que se basa, rescata la experiencia desarrollada en el Taller Mercado Audiovisual entre los años 2012 y 2014, presentando las metodologías aplicadas, contenidos y ejercicios desarrollados, haciendo un balance y evaluación de los resultados.

Este taller se enfocó principalmente en el desarrollo del storytelling como habilidad fundamental del diseño audiovisual, y exploraba las distintas manifestaciones de este concepto en la imagen, viéndola como un generador y conductor de historias.

El curso rescataba distintas teorías de diversos campos, para ofrecer una mirada amplia sobre los elementos que juegan un rol crucial en el diseño audiovisual, desde teoría cinematográfica soviética, revisando a cineastas como Sergei Eisenstein y Lev Kuleshov; hasta distintas perspectivas teóricas y prácticas de teoría dramática, de autores como Robert McKee, Joseph Campbell e Ira Glass. Estas teorías y conceptos eran puestos en práctica mediante diversos ejercicios y proyectos, que variaban en su naturaleza, de manera de presentar diversos campos de acción en los que como diseñadores audiovisuales se puede trabajar.

Muchos de estos proyectos no cumplían el objetivo de aprendizaje establecido, por lo que se hizo necesario revisar y reformular ciertos aspectos del taller en cada semestre. El paper detallaba estos pequeños ajustes al programa y, haciendo una reflexión sobre la experiencia y el desarrollo de los estudiantes.

En qué reflexión pones el acento?

Uno de los aspectos centrales en la formulación y ejecución del Taller, fue que el desarrollo técnico de las piezas audiovisuales no iba a ser el foco del curso. En este sentido siempre hubo completa libertad de elección de la técnica de ejecución de los trabajos, ya fuera animación, filmación o alguna combinación. Esto surgía desde una inquietud personal, y que fue la guía del curso, y también de la ponencia: la idea de que el forma técnica ha ido desplazando poco a poco a la sustancia, al contenido o mensaje.

Las expresiones audiovisuales han experimentado un crecimiento espectacular debido al rápido avance y mayor acceso a estas tecnologías, pero esto ha llevado a una explosión de piezas pirotécnicas, deslumbrantes en su calidad visual, pero olvidables. Aquí se encuentra un problema crítico, que es la pérdida de la distinción entre la técnica y el lenguaje del medio. La técnica evoluciona a un ritmo vertiginoso, existen numerosos softwares de modelado, animación, edición y compositing, los que además se actualizan constantemente. Si a esto le sumamos el crecimiento en el acceso a estos softwares, y la abundancia de tutoriales online, libros de aprendizaje, etc., podemos entender que dominar la técnica hoy en día se ha vuelto relativamente fácil.

La idea central de la ponencia era que antes de dominar la herramienta con la que se diseña, es necesario conocer la sustancia o materia que va a ser diseñada. En el campo del diseño audiovisual esa sustancia es difícil de distinguir, debido a su naturaleza efímera e intangible. Pero tal como otras disciplinas de carácter audiovisual, como el cine, el diseño audiovisual trabaja modelando el tiempo. Así, entendiendo el tiempo como la materia de diseño, y la narrativa como el elemento estructurante de esta materia, los estudiantes lograron generar piezas con mayor fuerza en los mensajes y contenido narrativo.

Cómo ves a Chile en relación al resto del mundo en este tema de acuerdo a lo que pusiste ver allá?

En el aspecto técnico Chile está en un nivel de desarrollo muy similar al extranjero, tanto en el ámbito profesional como académico. El fácil acceso a la tecnología de producción audiovisual ha permitido que en todas partes del mundo se puedan alcanzar resultados similares, a pesar de que en países como Estados Unidos puedan tener una mayor infraestructura de producción. La dificultad que enfrenta Chile es que el tamaño de la industria no es lo suficientemente grande para acoger el potencial creativo y generar las condiciones necesarias para un mayor desarrollo. La cultura empresarial y comercial chilena aun no ha puesto en su justo valor al diseño audiovisual, relegándolo exclusivamente al ámbito publicitario; mientras que en el extranjero, tal como lo demostraron algunos de los invitados, diversas agencias han tenido éxito apuntando a una mayor especialización dentro del ámbito audiovisual, entregando servicios que son buscados de manera activa por pequeñas y grandes empresas, como la ideación y desarrollo de identidades corporativas en movimiento, la exploración de las cualidades de movimiento en interfaces digitales, o incluso el registro y documentación histórica de la disciplina.

Por otra parte, las diferencias en el desarrollo de la disciplina se pueden intuir en la denominación que esta tiene en distintos idiomas. Mientras en español hablamos de un “diseño audiovisual”, que pone el énfasis en la integración de imagen y sonido en un marco temporal determinado, en inglés se habla de “motion design”, enfatizando los nuevos códigos que surgen gracias a la manipulación y control del movimiento, como elemento expresivo exclusivo de piezas que viven en un contexto físico y temporal delimitado.

Así, bajo el la definición más flexible del “motion design”, surgen intersecciones entre diseño en movimiento y otras disciplinas y ciencias, que ha permitido la exploración de nuevos territorios, evaluando los alcances que puede tener el diseño audiovisual, o motion design, en proyectos relacionados con programas gubernamentales de educación, sistemas tecnológicos de apoyo en la educación para niños con capacidad auditiva limitada, prototipado físico y digital, desarrollo de ambientes inmersivos y diseño de experiencia, entre otros.

Qué conclusiones sacas después de haber asistido a este evento?

El territorio del diseño audiovisual es uno que está aun en constantes cambios. La definición del campo aún es difusa, tanto en su precisión lingüística como en su terreno disciplinar, y esto no presenta un problema, sino al contrario, una oportunidad de explorar nuevas posibilidades de acción y creación. Las presentaciones de la conferencia son un fiel reflejo de esto, mostrando intersecciones que en Chile aún no son exploradas en todo su potencial.

El desarrollo de los programas de cursos especializados en diseño audiovisual deben dar cuenta de eso, evolucionando semestre a semestre, y así contribuyendo a la definición de la disciplina. En ese sentido, el entorno académico es un ambiente privilegiado para generar esas instancias de exploración y experimentación, desde el trabajo de los mismos estudiantes. De esta manera, la necesidad de exponer estos resultados académicos se hace aún más importante como contribución al desarrollo disciplinar, pero no tan solo desde la actividad de los docentes, sino también mediante la exhibición de los resultados de los trabajos de estudiantes.